被称为“父”的音乐家及其贡献

德国作曲家巴赫被称为“音乐之父”

说起音乐家巴赫，对于从事音乐的人来说，真可谓是无人不知，无人不晓。其实，巴赫是一个姓氏，再说的具体一点，巴赫是一个音乐家族。自十六世纪至十八世纪，在三百多年的历史长河中，共出现了七十多位姓巴赫的音乐家。在德国的图林根、莱比锡等城市，巴赫一词已经成为了音乐家的代名词，甚至一提起巴赫，有人会告诉你“玩乐器的人”。如：汗斯·巴赫、卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫、约翰·克里斯蒂安·巴赫等等。被称为“音乐之父”的是约翰·塞巴斯蒂安·巴赫，他不仅是巴赫家族中最优秀的代表人物，也是欧洲乐坛公认的、伟大的作曲家。

贝多芬曾说过：“巴赫不是小溪（巴赫德语是小溪的意思），而是大海”。

瓦格纳也说过：“他（巴赫）是一切音乐中最惊人的奇迹”。

前苏联著名音乐评论家阿萨耶夫的评价是：“巴赫是这样的伟大，他使人感到他不是一个人，而是一个强大的创作实验室，其中锻炼着当时所有音乐上的创作技巧、风格、倾向和尝试”。

巴赫在创作上的全部意义和最高成就，在于他高度概括了复调音乐最优秀的成就和创立了复调音乐的理论，为古典音乐的发展奠定了理论基础。

巴赫在教学上的作品是《平均律钢琴曲集》、《创意曲集》、《赋格的艺术》等等。特别是《平均律钢琴曲集》的影响非常深远，至今仍然是钢琴专业的学生必弹曲目，也是音乐艺术院校钢琴专业必用的教材，弹钢琴的人几乎人手一册。

钢琴家冯·彪罗曾说过：“巴赫的《平均律钢琴曲集》是音乐中的‘旧约全书’”。

作曲家、音乐评论家舒曼对《平均律钢琴曲集》的评价是：“作品中之作品”。

《平均律钢琴曲集》是巴赫在音乐创作的道路上，肯定了二十四个大小调的可能性，为后世留下的最上乘的典范之作。可以这样说，自此以后作曲家才有章可寻，发挥了调性转换、变化的手法，开拓了无穷的音乐创作的领域。

英籍德国作曲家亨德尔被称为“神剧之父”

神剧（Oratorio）：原意是指祈祷室，十六世纪发展成的一种音乐类型。它与歌剧相似，有序曲、独唱、重唱、合唱，但更加重视合唱的效果；唱词均以圣经为蓝本，没有舞台布置或服装。

神剧虽然起源于意大利的那坡里，但是到了亨德尔的手里，打破了前人的传统，把神剧描写成戏剧的史诗，以它来叙述犹太人的历史。亨德尔充分利用音乐扣人心弦的特殊功能，激起人们的感情冲动，鼓舞着人们的行动和勇气，这是前所未有的。

亨德尔一生写了十七部神剧，年创作的神剧《弥赛亚》最为著名，也是全世界演出最多的神剧。当年亨德尔写完大合唱《哈里路亚》时，曾激动的双膝跪倒在地，双手向天，大声喊着：“我看到天门开了”。

规模宏大的《弥赛亚》在伦敦演出时，国王乔治二世也前来观看演出。当大合唱《哈里路亚》的歌声响起时，国王和他的贵族们不由自主地全都起立，以示敬意，全体的观众也都效仿。时至今日，不管在任何场合演出，每当唱到《哈里路亚》时，听众起立已经成为了不成文的规矩。因此，《哈里路亚》合唱也被称为“站着听的音乐”。

亨德尔不仅创作过大型作品《水上音乐》，也写过很多小品。英国著名的乐谱商埃治威尔，在伦敦附近开了一家铁匠店。传说有一天亨德尔走过店门前，看见一个愉快的铁匠，一面打铁，一面唱歌，铁锤打击铁砧的声音，和谐而匀称地伴随着歌声的节拍。亨德尔顿时被这动人的歌声所打动，久久不能忘怀；回家后，他根据铁匠歌唱的曲调，写了一首古钢琴变奏曲，取名为《快乐的铁匠》。

海顿曾说过：“亨德尔是我们一切人的老师”。

贝多芬听了亨德尔的作品后，曾感叹不已地称道：“我知道该向谁学习以少量的手法得出惊心动魄的效果了”。

柴可夫斯基也说过：“亨德尔在处理声部的巧妙方面是无与伦比的大师”。

德国作曲家格鲁克被称为“歌剧之父”

歌剧这种艺术形式来自意大利，至今已有百四百年的历史。十六世纪末，在意大利的佛罗伦萨，一些音乐家和诗人，他们老想复兴希腊戏剧，琢磨着把诗歌、音乐、戏剧这三种艺术形式捏合到一起，创立新的艺术形式。过了一些时候，意大利北部的威尼斯建造了世界上第一座歌剧院，为最初的歌剧提供了发展的场地。最初的歌剧戏剧性不强，矛盾冲突也不突出，使歌剧初具规模的作曲家当属德国作曲家格鲁克。

德国作曲家格鲁克，年轻时师从捷克作曲家、管风琴家车尔诺霍尔斯基钻研音乐。年后去过维也纳，寓居过意大利，到过伦敦；随萨马尔蒂尼学过作曲，结识亨德尔，并从亨德尔的清唱剧风格中得到启发。年重返维也纳后任维也纳宫廷乐长及歌剧指挥。着手歌剧改革与意大利诗人卡扎比基合作歌剧《奥菲欧与优丽狄茜》、《阿尔西斯特》等。

年去巴黎，以进一步完成其歌剧改革事业。他的核心主张是：歌剧必须有深刻的内容，音乐必须从属于戏剧。格鲁克的歌剧代表作尚有：《伊菲姬尼在奥利德》、《阿尔米德》，芭蕾舞剧《唐·璜》等。

格鲁克是当时集意大利、法国和德奥音乐风格特点于一身的绝无仅有的作曲家。他的作品以质朴、典雅、庄重而著称。格鲁克的歌剧改革，对法国、意大利、奥地利、瑞典、英国音乐戏剧的发展产生了显著影响，是歌剧发展史上的一个里程碑。

格鲁克是欧洲歌剧史上重要人物之一，他生前创作过一百多部歌剧，有很多已经失传了。但是，格鲁克的歌剧创作，对莫扎特、贝多芬、戈塞克和柏辽兹的歌剧创作都有过重大的影响。格鲁克后期的歌剧创作态度是十分严谨的，他曾经说过：“我的创作最重要的部分，力求找到简洁的手法，避开采用炫耀的手法来表达清澈透明的思想；不惜任何代价发掘新的乐思，至少得表现思想情感。简而言之，我深信只有奉献出自己的良知才能产生良好的效果，其它任何规律都不存在”。

法国大文学家卢梭，也是一位作曲家，他曾经写过歌剧。因此，他对格鲁克的评价是：“他可以证明格鲁克能用法语写出最好的音乐，在德国音乐家里格鲁克是唯一的作曲家”。

奥地利作曲家海顿被称为“交响曲之父”

奥地利作曲家海顿，被后人推崇为“交响曲之父”与“弦乐四重奏之父”。其实，无论交响曲还是弦乐四重奏都不是由他首创。不过，这两个尊称并不过誉，因为正是在他的培植下，这两种重要的器乐曲体裁才从草创进入了成熟阶段。规范了交响曲的形式，采用了双管制的乐队组合方式，展示了多样化的主题发展手法，是小步舞曲乐章洋溢着民间的生活气息。

德国作曲家瓦格纳在评论海顿时曾这样写道：他一生追求平静安逸的生活和力图保持受人敬爱的地位，所以他被看做唯命是从、卑躬屈节的人。海顿是一个公认的“乐天派”，在他的作品中都能体现出。他的音乐风格正如他的个性：乐观、亲切、真诚、爽朗、幽默。

海顿的作品数量是非常惊人的，他一生创作了交响曲部，有很多是标题音乐。《第四十五交响曲》（告别）、《第九十二交响曲》（牛津）、《第九十四交响曲》（惊愕）、《第一百交响曲》（军队）、《第一百零一交响曲》（时钟）、《第一百零三交响曲》（鼓声）、《第一百零四交响曲》（伦敦）等等。

在弦乐四重奏中，他采用“说话的原则”，即各声部彼此像交谈般地呼应，既有清晰的旋律，又有复调的美感。当时与海顿同时代的法国作家司汤达（《红与黑》的作者），曾经描述海顿的弦乐四重奏：第一小提琴好像一位中年人，他聪明而娴于辞令，他总找话题来维持着谈话；第二小提琴是大约小提琴的知心朋友，他极力设法支持第一小提琴的话中机智的想法而很少发表自己的意见，他关心谈话的进程，宁愿随声附和而不原发表自己的主张；大提琴是一位上年纪的有学问而好讲道理的人。他支持第一小提琴时言简意赅，能抓住要点；中提琴是位有点饶舌的可爱的女人，她讲不出什么重要见解，却经常插嘴。她使谈话增添了文雅的风趣。她谈话时别人也可以乘机休息一下。但显然她私下是倾向大提琴的观点的。”这个比喻虽然风趣的近乎开玩笑，很形象地说明了海顿弦乐四重奏中突出的“对话”原则。正如莫扎特所说：“从海顿那里我才第一次学会了写作四重奏的真正方法。”

奥地利作曲家老约翰·施特劳斯被称为“圆舞曲之父”

在欧洲音乐史上，父子同是音乐家的不胜枚举。但是，象施特劳斯父子四人都是作曲家的并不多。

父亲：老约翰·施特劳斯，代表作品《拉德茨基进行曲》；

长子：小约翰·施特劳斯，《蓝色的多瑙河圆舞曲》；

弟弟：约瑟夫·施特劳斯，《天体运动圆舞曲》；

弟弟：爱德华·施特劳斯，《快速波尔卡》。

老约翰·施特劳斯，年3月14日出生于维也纳。其父是业余小提琴家，受父亲的影响和熏陶，从小学拉小提琴。15岁时，参加了由兰纳组织的维也纳圆舞曲乐队任首席小提琴，有时担任指挥。21岁时，另立门户自己组成了一个乐队，并为这个乐队写了很多曲子，有：圆舞曲、波尔卡、进行曲。其中圆舞曲多首，老约翰·施特劳斯与兰纳一起，共同奠定了维也纳圆舞曲的基础。在此之前，圆舞曲比较慢，一小节里的三拍子时值是一样的。而维也纳圆舞曲，第二拍和第三拍经常拖长一点，速度一般用的是小快板。从结构上讲，维也纳圆舞曲比一般圆舞曲复杂一些，它由序奏、三至五首小圆舞曲组成，而每首小圆舞曲又有两个旋律，它们还带有反复，形成单二部曲式或单三部曲式，乐曲表达内容也比较深刻。由于老约翰·施特劳斯对圆舞曲的重要贡献，被后人公认为“圆舞曲之父”。

但是，老约翰·施特劳斯年创作的《拉德茨基进行曲》，比他写的圆舞曲更为有名。此曲还有一段鲜为人知的故事。拉德茨基是奥地利的陆军元帅，从年至年，他在威登伯克、隆巴等地任骑兵总司令。拉德茨基积极维护奥地利帝国殖民统治，曾率领军队侵略邻国意大利，并在意大利北部任总督多年。从德、奥出版的历史书看，拉德茨基被视为英雄式的人物，而在意大利则认为他是一个侵略者。老约翰·施特劳斯所写的这首进行曲正是炫耀了奥地利哈布斯堡王朝的武力和拉德茨基的威风。了解这段历史的人，对这支曲子所歌颂的人并不感兴趣，有很长时间无人问津。艺术就是艺术，由于此曲的曲调十分动听，具有英雄般的性格，演出时能获得较好的剧场效果，人们也就渐渐地忘记了拉德茨基那段不光彩的历史，喜欢起这支曲子来。《拉德茨基进行曲》不仅在奥地利大受欢迎，也走向了世界。《拉德茨基进行曲》传入我国后，应用于各种各样的颁奖晚会上，深受人们的喜爱。同样，知道它的历史的人并不多。由此我想到钱钟书先生论鸡蛋的妙语：一位英国女士来到中国，给钱钟书打电话，想拜见他，钱钟书在“假如你吃了一个鸡蛋觉得不错，又何必要认识那下蛋的母鸡呢？”

有人经常会说，只有民族的才是世界的。也可以说，只有世界的才是民族的。

俄罗斯作曲家格林卡被称为“俄罗斯民族音乐之父”

“人民的音乐是作曲家创作的基础，创作音乐的是人民，作曲家只是把它编写一下罢了”。这句话是俄罗斯著名作曲家格林卡与作曲家、评论家谢洛夫一次谈话时，留下了一句载入音乐史册的经典名言。这句话在我国使用率非常之高，因为说出了作曲家与民族、民间音乐之间是“鱼水”关系。

格林卡是俄罗斯民族音乐的奠基人，他被公认为是“俄罗斯音乐之父”。格林卡曾经写道：“我想通过合法手段，把俄罗斯人民歌曲与西方传统的赋格曲结合在一起”。

在俄罗斯人们十分重视格林卡为俄罗斯民族音乐的形成所作的贡献，也一致认为格林卡是民族音乐家的先驱。格林卡不仅是一位欧洲古典音乐修养造诣很高的作曲家，也是一位决心为发展俄罗斯民族音乐而献身的人民音乐家。他从小就接触了很多民歌，有在农奴制下生活的农民唱的，有幼时保姆唱的，还有乡村村民集会时唱的。这一切，使格林卡受到了民族音乐的熏陶。后来，看到了乡村民间乐队的表演，更增加了他对民族民间音乐的兴趣。格林卡曾经说过：“音乐就是我的灵魂”。

格林卡最具代表性的著名歌剧有两部，分别是《伊凡·苏萨宁》、《鲁斯兰与柳德米拉》。这两部歌剧不仅是俄罗斯歌剧史上的珍品，也是世界歌剧史上的杰作。格林卡高举俄罗斯民族乐派的大旗，为后来的俄罗斯的音乐开辟了宽广的道路，他是俄罗斯音乐界的骄傲和自豪。

俄罗斯著名音乐评论家斯塔索夫，曾经就音乐语言的创造，将格林卡与普希金相提并论，斯塔索夫说：“普希金和格林卡都创造了新的俄罗斯语言——一个是在诗里，而另一个是在音乐里”。

德国作曲家奥芬巴赫被称为“轻歌剧之父”

奥芬巴赫是法籍德国作曲家。年6月20日生于科隆，年10月5日卒于巴黎。原姓埃伯斯特。他父亲于年自奥芬巴赫迁居科隆，当地人们称其为奥芬巴赫人，后来就成为他们的姓氏。父亲从事书本装订业，并为犹太教会的领唱，在家中教授小提琴、长笛、吉他。奥芬巴赫从小就从父亲那里接受了音乐的启蒙教育。年到巴黎，进入巴黎音乐学院学大提琴约1年，后在巴黎喜歌剧院乐队当演员。这时他遇到E.L.阿莱维，并师从他学习作曲。~年奥芬巴赫任法兰西歌剧院指挥。年自办剧场“巴黎人趣歌剧院”。他最初发表的作品，多为圆舞曲大提琴曲。他擅长演奏大提琴，尤长于即兴变奏。他最初的舞台作品都不成功。直至年创作轻歌剧《地狱中的奥尔甫斯》，作品大受欢迎。此后他写了一系列轻歌剧都很成功，如《美丽的梅伦》（）、《巴黎生涯》（）、《盖罗尔施泰因公爵夫人》（）等。年普法战争爆发，奥芬巴赫曾到意大利和西班牙小住。年到美国，参加世界博览会并进行演出。晚年他计划写１部歌剧《霍夫曼的故事》，但未完成就去世了，此部作品后来由作曲家吉罗完成。

奥芬巴赫是法国轻歌剧的奠基人和杰出的代表。他面向大众，把舞台剧的传统喜歌剧的形式、巴黎林荫路的活报演出、城市民谣相结合。他的曲调贯穿着大众喜闻乐见的民间音调，广泛采用生活舞蹈节奏，如华尔兹、加洛普舞、康康舞的节奏。他的轻歌剧充满嘲笑、讽刺的内容，影射第二帝国的当权者在政治和道德上的腐败。但也有迎合当时权贵口味的一面，娱乐性强，甚至有色情性的表现。但是，功过分明，奥芬巴赫的音乐对奥地利的苏佩、施特劳斯，英国的沙利文，匈牙利的莱哈尔以及现代的美国音乐剧都有影响。

捷克作曲家斯美塔那被称为“新捷克音乐之父”

捷克著名的民族乐派作曲家斯美塔那，四岁开始学习小提琴，后又学钢琴，八岁开始作曲。年亲身参加反抗异族压迫、推翻封建统治的革命运动。

年9月末尾，一位病魔缠身的老者蹒跚走上舞台，操起指挥棒对乐队说：“我得完全信赖你们，因为我听不见你们乐器的声音，请听从我的指挥”。在他的指挥下，乐队演奏出色，观众掌声热烈。这位指挥就是斯美塔那，他双耳病聋，此时正为重建毁于大火的民族剧院举行募捐演出。

斯美塔那是捷克斯洛伐克人民引以为豪的音乐家。今天，他的作品不仅在捷克家喻户晓，而且早已蜚声世界乐坛。

斯美塔那年3月3日生于布拉格以东的利托米什尔镇，从小就迷上了音乐，并显露出非凡的天资。那年代，正是捷克民族危难之秋，民族复兴运动方兴未艾。出身平民家庭的斯美塔那深知民族丧失独立的苦难，青年时代就树立了为民族独立而奋斗的信念。他亲身经历了捷克爱国者在布拉格举行的反哈布斯堡王朝异族统治的武装起义，并满腔热情地创作了歌颂起义的《大学生进行曲》等著名作品。

斯美塔那的作品贯穿着争取民族独立的精神。他与著名诗人沙比纳合作写成的捷语歌剧《勃兰登堡人在捷克》年上演时，轰动了布拉格。很多素不相识的观众走出剧院时热烈握手，互相祝贺。这个剧反映了13世纪末勃兰登堡德意志军队入侵捷克，捷克人民奋起赶走侵略者的情景。作者采用借古喻今的手法，奏出了捷克民族当时反对奥匈帝国统治、要求独立的心声。

交响组诗《我的祖国》是斯美塔那的代表作之一，是他在耳聋之后55岁时创作的。按照作者的最初构思，这首交响组诗只包含四个乐章，主题是歌颂捷克民族的悠久历史和祖国的秀丽风光。后来，为了激发人民斗志，鼓舞信心，又补写了两个乐章，以音乐语言再现捷克人民在十五世纪胡斯革命运动的峥嵘岁月里，同欧洲十字军进行的可歌可泣的斗争；描述当祖国处在危亡时刻铁甲骑士出来拯救的传说。这部交响乐既是歌颂捷克民族光荣历史的不朽史诗，也是召唤人民继续战斗的号角。

斯美塔那也是民族歌剧的奠基人。过去，捷克舞台完全被德语歌剧占领。为了打破这种有损民族尊严的局面，斯美塔那创作了8部具有民族风格的捷语歌剧。

表现捷克人民纯朴风尚的《被出卖的新嫁娘》和颂扬自由的《达利波尔》等歌剧今天仍然光彩夺目。

在他坎坷的一生中，斯美塔那以惊人的毅力创作了多部作品，为捷克斯洛伐克人民留下了光辉的艺术遗产。在捷克斯洛伐克常常听到这样一句话：“斯美塔那是我们的音乐家”。年5月12日，令捷克人民骄傲的斯美塔那在病中去世。

法国作曲家弗朗克被称为“近代法国音乐之父”

法国的音乐家真可谓是人才济济、人才辈出。早期的有被称为“法国第一位音乐家”的拉摩，他在理论上创立了和弦、基本和声学说。还有柏辽兹、比才、马思涅、拉威尔、拉罗、圣·桑斯、肖松、丹蒂、杜卡、德彪西等等。为什么弗朗克就被称为“近代法国音乐之父”呢？

19世纪中期的法国音乐，几乎不给人以创新感，曲调流于温和，总是老一套。70年代，给法国带来巨大变化的作曲家，既不是法国本土出生的人，也不象一个新运动旗手式的人物。他却是出生于比利时，日后长期定居巴黎的著名作曲家弗朗克。

弗郎克的创作非常广泛，其中包括清唱剧、宗教音乐、交响音乐、室内乐及钢琴、管风琴曲等等，为数众多。弗朗克力求在音乐创作上把浪漫主义的形象性和古典风格的清晰性结合起来，同时把热情和严格、自如的表现和规整的结构、管风琴式的复调化管弦乐织体朗诵调式的曲调、丰满复杂的和声、清新迅速的转调等熔为一炉。他的创作富于哲理性，趣味高雅，思路清晰，鲜明地表现出了民族音乐的特色。

弗朗克的创作对当时和后世的法国作曲家，不仅有重要的影响，而且推动了法国音乐的发展。年，他的管风琴演奏艺术获得了荣誉勋章，年被选为民族音乐协会主席。

美国流行音乐人丹佛被称为“现代乡村音乐之父”

约翰·丹佛，年生于美国西南部的新墨西哥州，从小喜爱音乐，显露出良好的音乐素质。8岁时祖母送他一把吉他开始学习音乐。青年时代在大学攻读建筑设计专业。年约翰·丹佛放弃学业，一心从事乡村歌曲的创作和演唱。一年后，即以演唱歌颂弗吉亚山区美丽风光的《故乡的路》一举成名。

年因演唱《高高洛基山》进入电视屏幕，成为美国广播公司“午夜特别节目”的主持人。丹佛熟悉农村生活，热爱大自然，他创作的许多歌曲都是赞美大自然和歌颂人类友爱与美好的情感。因其曲调简朴、优美，内容清新向上、歌词富有诗意和哲理，使他在科罗拉多州一带享有“桂冠诗人”的美名。他的吉他弹唱在美国和全世界声誉卓著。在多年的演唱生涯中，丹佛的歌曲专辑唱片曾先后获得过21次金唱片奖和4次白金唱片奖。歌曲《老吉他》和献给他妻子的《安妮的歌》等都十分深情感人。

世界“歌剧之王”多明戈也很欣赏丹佛的歌曲，曾与他合作录过一首二重唱《爱或许是这样》（PerhapsLove）。年1月邓小平访美时，曾在华盛顿肯尼迪文化中心举行的文艺晚会上聆听过约翰·丹佛的演唱。

约翰·丹佛年曾到上海游览，有感于上海外滩的景色和都市气息，回国后特地创作了一首歌曲《上海的微风》，以表达他对上海的美好印象和对上海人民的友好感情。丹佛的代表作尚有《林中的草地》、《阳光在我肩上》、《乘喷气机远去》等作品，广为流传。

美国“乡村音乐之父”——约翰·丹佛，是流行音乐史上最具影响力的歌手之一，他把大众对乡村音乐的接受度提高到一个新的水平。